Desde los comienzos del DJ donde se lo consideraba como un simple sonidista de fiestas o juntadas hasta catalogarse como una profesión muy respetadas por miles y miles de personas.
Los cambios en este ámbito, como en el de muchos otros, significó una verdadera revolución en el arte de mezclar música. Desde la figura del artista hasta las formas en las que desarrolla su trabajo.
En base a esto y a todas las polémicas que surgieron en el último tiempo sobre como un DJ debe manejarse en estos momentos donde predomina el auge en redes sociales por sobre la música, decidimos hacer un repaso sobre la evolución del DJ y el entorno que lo rodea.
Inicios
Para hablar de los inicios del mundo del DJ hay que rememorar y viajar en el tiempo hasta principios del 1900 cuando un joven de 16 años llamado Ray Newby comenzó a reproducir discos en la radio. Si bien para aquel entonces la palabra DJ o Disc Jockey todavía no existía, la labor de este joven fue lo más parecido posible a lo que hoy se lo conoce.
Al poco tiempo a la radio se le sumó los juke joint, lugares donde la gente iba a escuchar música que era reproducida mediante jukebox o como mejor se la conoce, la famosa rocola.
Para 1935 ya se establece de la mano del periodista norteamericano Walter Winchell la denominación de DJ al locutor radiofónico Martin Block. Este uso de la palabra surgió por la combinación del disc (discos grabados) y jockey (operador de la máquina).
Sin embargo, fue Ron Diggins, un ingeniero de radio británico que en 1947 construyó la famosa Diggola, considerada la primera mesa de mezclas de la historia de la música. Esta mesa portátil de construcción casera incluía dos platos, luces, micrófonos, un amplificador y una decena de altavoces. Y estaba hecha sobre una base de madera de ataúd.
Sin lugar a duda aquel ingeniero británico marcaría un antes y un después en este mundo que ni él mismo se imaginaba...
“No he inventado nada, solo puse las mismas cosas en un uso diferente”
A lo largo de su vida pasó música en más de 20 mil fiestas, retirándose recién en 1995, luego de 46 años de carrera frente a los platos. Un apasionado por la música que falleció en 2011 a los 91 años dejando un legado eterno.
Tras esto, todo fue en completo crecimiento, lo que le permitió mostrar al mundo algo que era desconocido e inimaginado.
En la década de los 80 aparecen los primeros grandes nombres, considerados DJ de culto, como Larry Levan que pinchaba en el ‘Paradise Garage’ de Nueva York, o Frankie Knuckles, que con sus mezclas de ‘disco’ y ‘synth pop’ dio lugar a la música ‘House’ en el ‘Warehouse Club’ de Chicago. Paralelamente en Detroit nació el ‘Techno’.
Música
La música electrónica tuvo varios momentos culmines en la historia que marcaron un antes y un después para los años posteriores. La década de los veinte aportó gran riqueza de instrumentos electrónicos primitivos y dio pie a la experimentación del arte sonoro. Si bien por aquel entonces, a nadie se le pasaba por la cabeza la electrónica como un género, esto iba a dar pie a la imaginación de las mentes creadoras en el futuro.
Sin embargo, para hablar de la electrónica como un género más hay que ir hasta los años sesenta. Hay que mencionar que el primer ápice de electrónica se remonta a inicios del siglo XX con el fonoautógrafo, primer dispositivo capaz de grabar sonido. Pero volviendo a los sesenta y a la electrónica, algo más parecida a como se la conoce ahora, se considera un elemento principal que marcó la tendencia que iba a comenzar, el sintetizador Moog. Durante estos años la experimentación fue clave.
En esta década los sonidos electrónicos van ganando protagonismo, dejando atrás la experimentación anterior. La aparición de Kraftwerk y Jean-Michel Jarre fueron clave para hacer crecer la popularidad de este género que de a poco se hacía más masivo. Este último es considerado uno de los padres de la música electrónica.
Con las tendencias de aquellos tiempos, otros caras bien reconocidas en estos días como David Bowie o Pink Floyd fueron claves en la introducción del género.
En los 80, el sintetizador vuelve a ser el protagonista de la historia. Aquella época es la que se cataloga el nacimiento de subgéneros electrónicos como el house, el techno o el electro.
En la década siguiente se iba a dar el surgimiento de otros subgéneros muy populares en estos días como el Progressive House, el Trance, Deep House, Minimal y muchos más...
En este marco temporal se encuentran bandas que han sido influyentes en la historia como Pet Shop Boys o Depeche Mode. Tal es la influencia musical y la riqueza de esta época que, en un panorama tan marcado por la vanguardia, la mayoría de los artistas y grupos no se pueden enmarcar dentro de un simple y único género musical.
Con el paso del tiempo y la llegada de nuevas tecnologías, muchos géneros se diversificaron y fusionaron creando mundos nuevos para los que habitan con frecuencia el mundo Underground.
En estos días ya se crearon una infinidad de estilo musicales que se relacionan con la electrónica desde sus sonidos, bases, hasta la forma de ser mezclados por un DJ o tocados en vivo por una banda.
Países
ChicagoPara Chicago, contar con la historia del house en su cultura es muy importante. Es una de las manifestaciones más destacadas de su legado musical.
Esta ciudad norteamericana es considerada el lugar donde el género House se formó. desarrolló y expandió hacia todo el mundo, logrando ser uno de los estilos musicales más influyentes de todos.
Uno de los epicentros de este género es "The Warehouse". Las puertas de este club se abrieron en 1977, considerado el lugar donde nació al house tras la residencia del legendario DJ y productor Frankie Knuckles, quien además es considerado uno de los padres del House.
No solo eso, en distintas ocasiones se han realizado varios eventos dedicados a este género, como por ejemplo el “Chosen Few Old School Reunion Picnic“ que se celebra desde 1990 y reúne a artistas clásicos en el marco del festival de música de Chicago y que nació en 1977 bajo la dirección de Wayne Williams, también conocido como Dr Derelic, otro de los precursores de fiestas que se realizaban en Chicago.
DetroitEn los años 60 la historia de Detroit cambió para siempre. La Guerra Fría como protagonista de aquella época que azotaba a las grandes ciudades hizo que el gobierno norteamericano intentara distribuir la población en pequeñas ciudades. Entre las ciudades que se vieron afectadas, Detroit fue una de ellas. Esta ciudad no disponía de sector servicios ni de turismo, por lo que la convirtieron en algo cercano a una sombra de lo que fue.
El poco más de millón de personas que permanecieron en su interior fueron familias afroamericanas humildes. Una generación perdida también a causa de la robotización y la escasa o nula formación de los niños de esas décadas de los 60 y los 70. Estas generaciones empezaron a sentir una curiosa relación amor/odio hacia esas máquinas que habían robado sus sueños y su pan.
De los que quedaron, tres jóvenes curiosos por las máquinas, los sonidos y las influencias en el disco, el funk, el hip-hop, desataron el nacimiento del techno, siendo Detroit la cuna de un género que se volvería masivo a nivel mundial. Ellos son Juan Atkins, Kevin Saunderson y Derrick May, también conocidos como The Belleville Three.
Esta triada sonora que se encargó de abrir la llave para que más productores y artistas electrónicos vieran en el techno la oportunidad de construir, puede ser una de las más importantes en la historia de la música en general.
La música techno nace de los suburbios y de la pobreza y rápido se convierte en algo más que una manera de hacer música. La tendencia que crea este género musical, la nueva esperanza que significa para los jóvenes de la época lo convierte en una nueva manera de entender la música de baile mundial.
IbizaIbiza fue y es un imán para clubbers y fiesteros durante muchos años. Desde los 30 hasta los 60, los hippies, artistas, músicos y más, coparon la isla de trabajo y hospedaje.
Después de la Guerra Civil española, el movimiento 'flower power' de la década de 60 trajeron aún más hippies de toda Europa a las Islas Baleares, hipnotizados por su ambiente relajado y su belleza natural de 300 días al año de sol y con playas paradisíacas.
Los 70 vieron la verdadera llegada de los turistas, que continúa hasta hoy. También vio el nacimiento de las discotecas, que evolucionaron regularmente hasta nuestros días. Rave se hizo grande en los 80, la música house balear en los 90, y ahora todo, desde la reaparición de Disco al Techno y hasta el Subterráneo para todos.
Amnesia y Pacha fueron los primeros clubes que abrieron en 1970, seguidos por el Ku Club (ahora Privilege), Space, Es Paradis, Eden y DC10.
Buenos AiresSe habla de música electrónica como movimiento a partir de finales de los años 80 y comienzos de los 90. Sus inicios se ubican por un lado, en los raves de Radio Energy y por otro lado, en las primeras fiestas internacionales, como la edición porteña del Love Parade de Berlín.
En Buenos Aires, cerca de 500 mil personas se reunieron en el día de la primavera del año 2000 bajo el lema: "AMOR PAZ Y DANCE", y posicionaron a Argentina y a toda América Latina en el panorama global de la escena electrónica.
Es la principal elegida para los conciertos de artistas extranjeros al realizar sus giras, y suele ser escenario de la música electrónica en América Latina, con importantes fiestas como la South American Music Conference. La Creamfields se convirtió en una de las más importantes del mundo junto con el Ultra Music Festival Buenos Aires.
LondresAlgunos DJ británicos, fascinados por el ambiente de los clubes de Chicago y Nueva York, propician la llegada de la música house al Reino Unido a finales de los años 80.
La publicación del manifiesto "El arte de los Ruidos", del futurista Luigi Russolo, la salida al mercado del órgano Hammond y los estudios del sonido tras la segunda Guerra Mundial fueron algunos de los hechos que desembocaron en el desarrollo de esta clase de música.
Para 1968 se produjo el primer concierto de música electrónica en Londres, a cargo de Delia Derbyshire, Tristam Cary y Peter Zinovieff. Unos años más tarde, Brian Eno empezó a utilizar sintetizadores en sus creaciones y ese mismo año Stanley Kubrick usó este instrumento en la banda sonora para "La Naranja Mecánica".
Su despegue definitivo llegó en los 80, cuando la música punk pegó un bajón y a los jóvenes se les antojó un nuevo movimiento 'hippie'.
Esta vez no estaría liderado por los sonidos de Woodstock, si no por Kraftwerk y más tarde The Chemical Brothers. Un fenómeno que se llamó "La segunda ola del amor" y cambió los jóvenes cantautores con sus canciones protesta por la locura, la efervescencia y los bailes de los locales nocturnos.
La fiebre rave en Inglaterra se hace potente, la juventud necesitaba liberarse de las estrictas políticas conservadoras y materialistas del thatcherismo. La mayoría de las fiestas eran ilegales con venues en improbables lugares de los suburbios y avisadas a ultima hora.
Fue una escena radical para Inglaterra que representaba el descenso de la violencia hooligans y un mix de gente único. Al verano del ’88 le llamaron el Second Summer of Love, por las reminiscencias con el movimiento hippie de San Francisco.
La novedosa impronta que supo transmitir la electrónica a lo largo de todos estos años en Londres hizo que la ciudad acoteje a la exposición "Electronic: From Kraftwerk to The Chemical Brothers". Un lugar donde uno puede vivir la evolución de esa música en la capital británica.
BerlínMientras tanto, en Berlín caía el Muro. Berlín Oeste ya era un lugar para la cultura alternativa en Alemania, pero con la caída se abrían enormes posibilidades.
La GDR (República Democrática Alemana) dejaba de existir, generando un vacío de poder que las autoridades de la Alemania unificada se demoraron un par de años en llenar. Más de un tercio de los edificios en Berlin del Este quedaron abandonados. Era una ciudad fantasma con un aura de postguerra.
West Berlin, aunque era más rockera, ya tenía su propio club de acid house, UFO, donde tocaban DJ Westban y Dr. Motte. Por su parte, los chicos del Este buscaban un sonido mucho más duro, sin vocales ni piano. Con espiritu okupa, comenzaba la aventura de entrar a lugares en desuso, instalar un equipo de sonido, correr la voz y empezar el rave eterno.
Esta primera época estuvo determinada por una actitud nómade y experimental. No habían planes inmobiliarios, ni objetivos monetarios, lo único que se buscaba era bailar y bailar ante este nuevo sonido y en este ambiente de libertad.
Desde el comienzo la arquitectura y el uso creativo de los espacios fueron fundamenales en la personalidad de los clubes, incluso dándole forma a su identidad musical. Un emblema de la época era Der Bunker. Este club ocupó un edificio construido por los nazis el ’43 como refugio anti-aéreo para los pasajeros del tren suburbano. Con capacidad para 3000 personas y paredes de dos metros de ancho. El club E-Werk se ubicaba en una planta eléctrica olvidada cerca de Checkpoint Charlie. Tocaban Westban, Paul van Dyk y Woody.
En esta tríada icónica también estaba Tresor. De los mismos creadores de UFO, este club que existe hasta el día de hoy, fue fundamental en cimentar lo que sería el sonido berlinés y el espíritu de la ciudad. Su ubicación, hasta el 2005, fue la bóveda subterránea de una tienda por departamento en Leipziger Platz, que estaba abandonada desde la Segunda Guerra Mundial.
En los inicios se escuchaba en el club una mezcla de sonidos internacionales, entre gabba holandés, hardcore belga, acid house de U.K y techno de Detroit. Pero va a ser finalmente este último estilo el que le dará su sello generando la famosa conexión Berlín-Detroit.
Formatos música
Indirectamente, aquel reconocido inventor estadounidense Thomas Edison fue uno de los impulsores del grabado de sonido. En 1877 creó el fonógrafo cilíndrico de cera, primer dispositivo que permitía grabar sonidos para luego escucharlos en la máquina con una carga mediante la manivela.
Muchos años pasaron hasta que la tecnología se pudo desarrollar de manera adecuada para la creación de los tan queridos y aclamados vinilos. Hubo varios intentos de hacer cintas de carrete a carrete y el Tefifon.
Para finales de los 40 el consumo de música aumentó de forma exponencial con los vinilos. En aquel entonces, marcas reconocidas mundialmente de música vieron un gran negocio en este sector, por lo que decidieron involucrarse en la creación de vinilos. Entre ellos se encuentran Columbia Records y RCA Records, dominando el mundo de la música hasta los años 80.
En 1963 la llegada de la cinta de cassette permitió a los oyentes hacer sus propias grabaciones. Además hubo una explosión en la música pirata, que la industria intentó parar con la icónica campaña: “Home Taping Is Killing Music”. En los años posteriores, las cintas tuvieron la competencia de los cartuchos de ocho pistas que por un tiempo fueron el estándar en muchos coches.
Ya de a poco el mundo de los diferente formatos musicales se hace ameno a lo que se conoce hoy en día. A la dominancia suprema de los vinilos sólo lo pudo frenar una cosa, los CDs.
Este disco óptico digital, con un diámetro de 12 cm, apareció por primera vez en 1982 de la mano de Sony y Philips, quienes decidieron unirse en una suerte de éxito que les salió a la perfección. Este formato empezó a convertir al vinilo en obsoleto debido a su bajo costo.
De los 90 en adelante empezaron a salir a la luz la gran mayoría de los formatos que hoy predominan en el campo de la música y de los archivos de almacenamiento. Desde el MP3 surgido a principios de los 90 de la mano de un estudiante de ingeniería eléctrica hasta la aparición del MP4, AIFF, WAV, FLAC y más en años posteriores...
Estos almacenan toda la información que ocurre en el tiempo sin variar en su contenido, sea 'silencio' o sonidos muy complejos. Con el desarrollo de esta nueva forma de reproducir sonidos, le aparecieron categorías como los archivos sin compresión y con compresión, y dentro de los comprimidos, con pérdida y sin pérdida.
Reproductores
Los primeros aparatos grabadores y reproductores de audio aparecieron a finales del siglo XIX. Estos estaban formados principalmente por una bocina, una aguja, un diafragma flexible y un disco de cera.
Luego de la creación del ya mencionado fonógrafo cilíndrico de cera hecho por Thomas Edison, posteriormente, en 1888, Emilio Berliner inventó el denominado gramófono, que triunfaría sobre el modelo anterior al del norteamericano.
Luego se inventó el Tocadiscos, que va todo armado dentro de una especie de mueble donde se encuentran platos giratorios donde van los discos, la cápsula y el brazo fonocaptor.
Desde finales de los 80 y mediados de los 90 hasta hoy, todos estos avances facilitaron el trabajo del Disc Jockey a la hora de mezclar, pero esto no significa que haya sido fácil adaptarse. En aquellos primeros años donde daba sus primeros pasos la CDJ 300 o la CDJ 500, las críticas aparecían donde antes estaban los aplausos o la ovación del público. El cambio del vinilo al CD no era algo a lo que se estaba acostumbrado ni aprobado. Hasta algunos DJs, sino tocaban a la antigua, se negaban a hacerlo.
En lo que respecta al mixer, pieza fundamental de todo artistas detrás de las bandejas, uno de los precursores fue el ya mencionado Ron Diggins. Ingeniero británico que construyó la famosa Diggola, considerada la primera "mesa de mezclas" de la historia de la música.
Si bien ya se había creado el mixer como tal, no fue hasta 1971 cuando Alex Rosner inventó el primer mezclador de dos canales con la posibilidad de escuchar vía audífonos cualquiera de los dos canales, independientemente de lo que estuviese sonando en los altavoces.
Al muy poco tiempo, la empresa Bozak, que sigue vigente aún, creo el primer mixer que se comercializaría al público. Estamos hablando del Bozak CMA-10-2DL, DJ mixer que contaba con un diseño rotativo en donde figuraba un EQ para bajos y treble, y sonido fresco que ya había elevado el mezclar en clubes a nuevo estándar.
Para aquel entonces fue una revolución y muchas de las discotecas de la época lo solicitaron, incluía además de la ecualización a dos bandas, paneo, 6 entradas y una calidad de sonido analógico increíble…
Si bien se dejaron de usar estos tipos de mixer que contaban solamente con perillas rotatorias, marcas como Rane volvieron a incluir en estos tiempos los llamativos modelos en el mercado, que de a poco van ganando terreno en las cabinas.
La tecnología fue acaparando muchas de las empresas dominantes del mercado y, por consecuente, sus equipos se desarrollaron hasta lo que conocemos como hoy en día. Verdaderas máquinas que le permiten hacer al DJ lo que le plazca y enamorando al público que lo escucha.
Digital
Claro está que la era digital en este mundo electrónico fue un cambio rotundo en todos los sentidos.
Entre los aspectos que más influenciaron se encuentra la forma en la que la música se reproduce. Como ya se vio antes en la nota, el paso del costoso vinilo a un simple archivo MP3 de muy bajo valor y hasta a veces gratis gracias a la piratería, fue fundamental para la expansión de la música alrededor del mundo.
La posibilidad de poder escuchar temas con un simple click es un hecho que hasta hace unos años parecía inimaginable.
Muchos aprovecharon las novedades tecnológicas de la era digital para difundir su nombre como grandes artistas, y gracias a eso surgieron DJs como David Guetta, Armin Van Buuren, Tiesto o Bob Sinclar, por mencionar algunos que recorren el mundo con sus mezclas.
Otra de las grandes innovaciones que aparecieron para revolucionar el mundo del Disc Jockey fueron los aparatos MIDI, controladores y softwares, tanto para mezclar como para producir.
Estos controladores procesan y manipulan la información que se encuentra en las computadoras, pero para que este ciclo digital se realice de forma correcta, es necesario un software que lo acompañe.
Entre los más conocidos y utilizados por DJs de todo tipo y diferentes géneros musicales se encuentran Traktor, Serato, Virtual DJ, Rekorbox. Siendo el primero de estos reconocido como el más "profesional" dentro de la rama de la electrónica. Los cuatro permiten que la gran mayoría de los controladores se adapten a su sistema con una simple conexión USB entre el aparato y la máquina.
Sin estos software, los aparatos MIDI no se podrían usar ya que carecen de su fuente de energía principal. Aunque en estos tiempos, la tecnología logró que de a poco estos equipos se empiecen a independizar de la computadora y no los necesiten. Los casos son los mencionados arriba, como el Denon DJ Prime 2 o el Pioneer XDJ RX.
Por otro lado están los de producción como Ableton Live, Pro Tools, FL Studio y muchos más. Todos estos abrieron un mundo dentro de la creación de música inimaginados. Dándole la posibilidad a cualquier personas que tenga una simple computadora de hacer sus propios temas.
Redes sociales
Se podrá estar a favor o no de las redes sociales, pero lo que no se puede negar es que mostraron un mundo dentro de la comunicación en muchos ámbitos que jamás se hubieran pensado.
Unos de los más favorecidos en esto fueron los músicos, a quienes se les abrió la posibilidad de mostrar y compartir sus trabajos al mundo entero para darse a conocer como artistas.
La capacidad de poder hablar con otros artistas de otros países, y por consecuente generar un vínculo, fue algo que expandió la escena musical, y por sobre todo la electrónica, a niveles desorbitantes.
Sin embargo, no todo es color de rosas, porque al aparecer las redes sociales en el mundo del DJ como una de las principales herramientas para su crecimiento, lo obliga a este a manejar el mundo algorítmico a la perfección si es que se quieren obtener resultados.
Además, como se puede ver en la gran mayoría de las fechas, los celulares grabando constantemente temas a lo largo del sets para después subirlos a sus respectivas cuentas hicieron que se pierda un poco la esencia y la magia de la noche en el club.
Mismo como dijo hace poco el DJ y producto Alan Fitzpatrick en sus redes...
"Crear arte en forma de música no es suficiente ahora... Poner el corazón y el alma en crear música, construir un sello discográfico y una plataforma para exhibir nuevos artistas y música no es suficiente ahora... ¡La pasión y ser misterioso e interesante no es suficiente ahora!
Ahora, además de todo eso... necesitas ser un comediante, un animador, un truco, un maestro del algoritmo, un "creador de contenido", un maldito títere que busca llamar la atención" ¡Un pony del espectáculo!
Si las redes sociales existieran hace años... no tendrías Nirvana, ni Prince, ni Bowie... ni Kate Bush, ni Stone Roses, ni legendas! ¡El arte y la música deben ser expresiones interesantes, emocionantes y misteriosas!"
Parecieran un poco extremistas las ideas que plantea el artista británico, pero a pesar del pensamiento que plasma, los artistas no pueden desapegarse de este nuevo modo de comunicación si es que quieren crecer en un mundo que se rige mediante estas reglas.
Streaming
La era digital y de la tecnología permitieron que los usuarios con un simple click puedan reproducir el tema que quisieran y cuantas veces quieran mendiante las revolucionarias plataformas de streaming.
Dominando el mercado páginas como Spotify, Youtube, Soundcloud, Apple Music y muchas más, estas permitieron la expansión de la música a un siguiente nivel.
La historia no inicia con el servicio en línea de la manera en que hoy se conoce, sino que nace cuando las disqueras no pudieron controlarlo todo y el internet dio el gran salto a la web 2.0. Un ejemplo fue la creación de MySpace (2003), que dio lugar a un nuevo mundo alejado de la realidad; gracias a este sitio, los artistas subían sus canciones en formato MP3 y se hacían publicidad por cuenta propia.
Cuando el iPhone salió en 2007, el consumo de música aumentó de forma exponencial. Los servicios de streaming hicieron posible que los aficionados pudiesen oír casi cualquier canción sin tener que tenerla guardada. Lo increíble de todo esto es que las ventas de vinilos están en la actualidad en su punto álgido desde 1991. El CD no fue capaz de acabar con el romántico y clásico vinilo de todos los tiempos.
Este mundo del streaming permitió que los usuarios puedan descubrir música nueva por su propia cuenta para después compartirla con los más allegados mediante las famosas listas o playlists de reproducción, una herramienta clave para encasillar en una misma carpeta una gran variedad de temas a gusto propio.
Sin duda, estas plataformas marcaron una nueva forma de escuchar una infinidad variada de música en el momento y lugar que se desee, ampliando así el campo musical de cada uno.
Festivales
El primer evento o festival de música electrónica fue el WMC (Winter Music Conference) que nació en el año 1985 en Florida, fue fundada por los entonces DJS y directores de Record Pool, Luis Possenti y Kelly Bill. Actualmente es un evento creado para inspirar a los profesionales de la industria y presentar las más recientes innovaciones del sector.
Este evento alberga alrededor de 300 000 personas anualmente. Las festividades subsiguientes se presentan en Miami Beach y Miami Downtown.
Con el transcurrir del tiempo, se empezaron a formar eventos sociales que trataban de aglutinar una gran cantidad de conciertos con varios artistas en directo. Hasta el momento son muchos los festivales que han manifestado la escena electrónica, marcando muchos de ellos récords de asistencia masiva al evento. Algunos festivales más representativos y destacados del género son:
Love Parade
Tomorrowland (festival)
Ultra Music Festival
Coachella
Electric Daisy Carnival
Creamfields
Time Warp
Awakenings
Trance Energy
El éxito de la música electrónica se encuentra resumido en Tomorrowland, un festival que comenzó en 2005 en Boom (Bélgica). Este fue el primero que centró todo su cartel en este género musical, acompañándolo de luces, tecnología y puestas en escena que parecen sacadas del futuro, de un mundo lleno de magia y fantasía. No es solo un festival, es un espectáculo.